Past

Solo Exhibition

2022.9.29(Thu)-10.23(Sun) 


大寺 史紗「余熱」

大寺 史紗
略歴: 1993 年生まれ。2016年武蔵野美術大学造形学部日本画学科卒業、2018年同大学院造形研究科修士課程美術専攻日本画コース修了。

今回の個展では、作者自身が経験したことや過去の記憶を元に作品が描かれております。 装飾的な要素が取り除かれ、煙のように揺らめき消え入りそうに見える体や、接写した如く拡大された体の部位によって画面は構成され、それらの作品は、以前の作品に比べて遥かに高い抽象性を帯びています。

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MISA OTERA “remaining heat”

1993 Born in Nagano, Japan
2016 Bachelor degree in Nihonga, Musashino Art University
2018 Master degree in Nihonga, Musashino Art University

The works in this exhibition are based on the artist’s own experiences and memories of the past. The works have a much higher level of abstraction than her previous works, with the decorative elements removed, the bodies seeming to shimmer and disappear like smoke and the body parts magnified as if photographed in close-up.

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©Misa Otera

Solo Exhibition

2022.8.18(Thu)-9.11(Sun)

西澤 利高「密接距離 – intimate space」

西澤利高は1965年岐阜県生まれ。
1992 年に東京藝術大学大学院美術研究科 彫刻を修了。

以来、数多くのモニュメントの制作・発表などを行いながら精力的に活動しています。また近年は芸術祭にて大型のインスタレーション作品を発表しています。海外での活動も多く、Delft(オラ ンダ)での大型彫刻の制作・設置などを始め、インドネシアなどでも発表を行っています。

西澤は2005 年から「LOOP」という彫刻を継続して制作してきました。「LOOP」はねじられた金属の帯板を溶接、接合して、最後に捻れた部分を繋いだ彫刻です。その溶接が解かれた時、ひとつの捩れた輪になります。この行為により西澤は表と裏、始まりと終わりのない連続した時間の集積を表現し、その境界を曖昧にし、空間の裏側を提示させました。2020年の個展で西澤はそれまで用いていた金属から一変し、アクリル板を使った無色の人体彫刻を造りました。その頃からコロナ禍が始まりかけており、自身の対象に対する距離感が少しずつ狂い始めたと西澤は言います

本展では、狂い始めた人やもの、風景に対する距離感。自分自身ではないような強制された距 離感。微妙に食い違ってしまった距離感に慣れないうちに、強制されたアクリル板越しに眺め る向こう側、自らが仕切りとなっての密接距離や辿り着けない薄さの向こう側みたいなものを 感じ、その感覚を無色のアクリル板で表現しました。西澤の感じた微妙に狂い始めた他者との距離感。対象に対する見えない断絶。決して密接しな い薄いベール越しの皮膚感覚。そのような今の気分を彫刻にした西澤の作品を体験してください。

 


TOSHITAKA NISHIZAWA “Intimate space”

Nishizawa Toshitaka

1965 Born in Gifu Prefecture, Japan
1992 Department of Sculpture, Graduate School of Fine Arts, Tokyo University of the Art

Nishizawa Toshitaka has been actively engaged in the production of numerous public sculptures. Also, in recent years, he has been presenting large installation works to various art festivals, as well as participating in overseas activities such us the production and installation of large-scale sculptures in the Netherlands and Indonesia.

Since 2005, Nishizawa had been continuously producing the “LOOP” series that consist of sculptures in which twisted metal bands are welded and joined together to connect them into a continuous loop and when the welding is released, it becomes a twisted ring. Through this process, Nishizawa expresses a continuous collection of time, front and back, beginning and ending, blurring its boundaries and presenting the back of space. At the solo exhibition in 2020, Nishizawa changed his material completely from the metal to acrylic slabs and produced colorless human-shaped sculptures. Nishizawa says that the global pandemic began around that time and his own sense of distance from his subjects gradually began to become distorted.

In this exhibition, Nishizawa will show his distance from people, things, and landscapes that have begun to become distorted. A sense of distance that is forced upon us, as if we are not ourselves. Before getting used to the slightly different sense of distance, he felt the other side that he could see through the acrylic slabs, the close distance that he himself became a partition and the thinness of the other side that he could not reach and expressed this feeling with colorless acrylic panels. This sense of distance from others that has began to become distorted, the skin sensation through a thin veil that never comes close.

Please experience Nishizawa’s work, which is the expression of the mood as a result of the current situation.

© Toshitaka Nishizawa

本展のタイトルである「密接距離」というのはエドワードホールの『かくれた次元』によると、密接な距離では、他の人間の存在がはっきりととらえられ、感覚入力の電圧がきわめて高いため圧倒的なものとなることがある。視覚、嗅覚、相手の体温、息の音、におい、感じなどのすべてが結合して、他人の身体と密接に関係しているというはっきりとした信号となる。さらに密接距離-近親相。これは愛撫、慰め、保護の距離である。身体的接触もしくは身体的なインヴォルヴメントの可能性の大きいことが、双方の意識の最上層にある。遠距離受容器の使用はきわめて狭まり、嗅覚と放射熱の感覚だけとなる。そしてこの感覚は鋭敏になる。最大限の接触相にあっては、筋肉と皮膚がコミュニケーションをおこなう。腰、腿、頭が用いられることもあり、腕で抱きしめることもある。輪郭以外ははっきり見えない。幼児の場合のようには、密接距離においても近接視が可能な時には像はきわめて拡大され、網膜の全部ではないとしても、大部分に刺激を与える。この距離で見てとれる細部(ディテール)は異常である。この細部に眼筋が引きつけられ、寄り目になることが加わって、この視覚体験は他の距離での視覚体験と混同するようなことはない。密接距離では、発声がコミュニケーションに占める役割がきわめて小さい。コミュニケーションは他のチャンネルによっておこなわれるからである。ささやきは距離を広げる効果をもつ。音声化されたとしても、それは大抵無意識にそうなっただけのことである。

参考文献:エドワードホール(日高敏隆・佐藤信行訳)(1970)『かくれた次元』みすず書房

Talk Event

2022.9.11(Sun)
17:00-18:00

現在、個展を開催している西澤利高と、鈴木泰人との対談イベントが開催されます。
日時:2022 年 9 月 11 日(日) /17:00-18:00
入場無料

ご予約はこちら
https://forms.gle/nYeehYi3DMFfu9DL7

展覧会開催時間内に行うためご予約いただいた方を優先的に前方にご案内いたします。
その為、お時間までにお越しいただけなかった場合に入れないこともありますのでご了承ください。
※新型コロナ感染症予防のため、必ずマスクを着用し、入口で手指消毒をお願いいたします。

西澤利高 http://www.toshitakanishizawa.com
鈴木泰人 http://yasuhitosuzuki.net

SYP Guest Curation #1

2022.8.2(Tue)-8.12(Fri)
Open Thu~Sun 13:00~19:00


仲世古 佳伸 キュレーション「連続するイマジネーション」
安藤忠雄ドローイング


SYPGALLERY は、SYP_GUEST CURATION 企画の第一弾として、8 月2 日(火)から8 月12 日(金)まで仲世古佳伸氏による『連続するイマジネーション』安藤忠雄ドローイング / Limited time sale!を開催致します。

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Solo Exhibition

2022.6.30(Thu)-7.24(Sun)

須藤 美沙 「巡りゆく星たち」

今回の展覧会では、土星や木星などの惑星や月の裏側を描いた作品に旋回する光を照らし、それらの固定されたビジュアルイメージに変化を与えてさまざまな表情を生み出します。この見かけの変化は星の公転運動を想像させ、地球と星との関係性やその存在について私たちに考察を促します。また、メダル型のギリシャ神話の神をモチーフにした作品では、画面の表裏それぞれに同じ図像を描くことによって、「善と悪」のような二項対立と、その二つの間にある曖昧で揺れ動く部分や摩擦についても考察してみたいと思います。

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MISA SUDO “The stars that go around”

In this exhibition, she illuminates her works depicting planets such as Saturn and Jupiter, as well as the underside of the moon with circling light, changing their fixed visual images to create a different expression of their appearance. These variations evoke the orbital motion of the stars, prompting us to consider the relationship between the earth and the stars and their existence. In a medallion-shaped work based on a Greek mythological god, the same image is painted on both sides of the screen to express a dichotomy as “good and evil” and the ambiguity and friction that lies between the two of them.

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“Saturn” 2021, paper, 72.0x102cm
© Misa Sudo

Solo Exhibition

2022.5.19(Thu)-6.12(Sun)
Open Thu~Sun 13:00~19:00


荒⽊ 由⾹⾥「饒舌(で雄弁)なカラー」
※supported by AIN SOPH DISPATCH

この世界には色があって、どんな物にも色があります。 虹色の赤、橙、黄、緑、青、藍、紫。よく見かける色、黒、白、ピンク、茶色、金、銀。

色は言語で表現しなくても認識でき、色の持つ意味や感じ方、捉え方は国や地域やその人の立場で様々でに変化します。すぐ隣のにいる人とも違ったりします。先入観や思い込みから気づかないことや見逃すことがままあります。それで不要に傷ついたり言い争うこともあります。違いを知ることから、今までと少し違う視点を持てる気がします。気付くこと、知るとこで理解が深まり、豊かになり、想像して、行動が変わる。そして、それが未来に繋がるのではないかな。

本展では全ての作品にハイヒールを用いています。幼い頃から自分の好きな物を収集する癖があり、ハイヒールもその一つでした。最初に制作した作品もハイヒールを使っていて、自分の中の大切なモチーフになっています。
コロナで気軽に出かけられない鬱憤、災害や戦争の不安や哀しみや憤りもあり、複雑な感情の中、美しく強い靴であるハイヒールを用いて、それぞれの色により集まった形態を模索し、カラフルで楽しく力強く高揚する作品と空間を創り出します。

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YUKARI ARAKI “Talkative (and eloquent) colors
※supported by AIN SOPH DISPATCH

There are colors in this world, and everything has colors. Red, orange, yellow, green, blue, indigo, and purple in the rainbow.

Common colors as black, white, pink, brown, gold, and silver. Colors can be recognized without language and their meanings, feelings, and perceptions change in various ways depending on the country, region and where you are. You might feel differently even from the person right next to you.
There might be many things that you miss out on or cannot notice because of your prejudices and assumptions. And sometimes, it makes you get hurt or argue unnecessarily. From knowing these differences, you can have a slightly different perspective than before deepening your understanding, enriching your imagination and changing your own behavior. Furthermore, I think it will lead to the future.

The motive used in this exhibition’s artworks is high heels. I had have a habit of collecting things that I like since I was young and high heels were one of them. The first artwork I made also used high heels and it has been become an important motif for me. Amidst the frustration generated by the global pandemic, the anxiety, sadness and resentment caused by disasters or war and the midst of complicated emotions, I use the high heels, beautiful and strong shoes, to search for shapes gathered in each color creating colorful, fun and powerful artworks and spaces.

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©Yukari Araki
※supported by AIN SOPH DISPATCH
Photo:Yoshihiro Ozaki(DARUMA)
Design:Masao Shirasawa(drawrope)

Solo Exhibition

22.4.7(Thu)-5.1(Sun)

都築 崇広「ニュー合板タウン」

 作家ステイトメント

合板は、いまや住宅建築には欠かすことのできない建材だ。その木目に、あるニュータウンの風景を重ねる。
ニュータウンと合板はどちらも大量生産の冷たさを持ちながら、一方で有機的な自然を含んでいる、人工と自然の狭間に揺れる存在だ。
合板に雲がたなびくと、量産型の家々の街並みにも山がのぞき、霞立ち、せせらぎが聞こえてくる。日本人にとって、立ち並ぶ建売り住宅地が、郷愁の原風景になりつつある。

TAKAHIRO TSUZUKI “Plywood Suburbs

Artist statement

Plywood is nowdays an indispensable building material for residential construction. The grain of the wood overlaps with the scenery of the new developed suburbs around Tokyo.
Both the suburbs and the plywood have the coldness of mass production but, at the same time, contain an organic nature.
Clouds flutter over the plywood, mountains peek through the hazy and murmuring streets of mass-produced houses. For the Japanese people, these rows of ready-built housing developments are becoming the original landscape of nostalgia.

© Takahiro Tsuzuki

Solo Exhibition

2022.2.24(Thu)-3.20(Sun)

渡辺 志桜⾥「Nipponia nippon」

 作家ステイトメント

外来魚BOXと名付けられた箱の中に釣り人たちはブラックバスやブルーギルと言った外来魚を打ち捨てていく。山積みにされた外来魚は定期的に処理場に送られ、加熱や粉砕され、堆肥として家庭菜園や農作物の肥料になっていく。人間の営為によって繁栄したブルーギルは今度は日本の生態系を脅かす存在として排除され、リサイクルされる。一方で乱獲や農薬、急激な近代化による環境の変化により個体が減少、1952年に特別天然記念物に指定され、人工繁殖を繰り返された朱鷺。日本固有の絶滅危惧種として一度は途絶えた種を延命され今もなお中国から贈られた”友友”と”洋洋”の子孫たちがその生命をつないでいる。国境をという線をかき乱すように往来する人外の種たちとその背後に潜む国家のアウトライン。全く異なる二つの運命を身元不明の状態から手探りする。

SHIORI WATANABE “Nipponia nippon

Artist statement

Fishermen dump black bass, bluegill, and other imported fish into a box named “exotic fish”. The piles of non-native fish are regularly sent to processing plants where they are heated and grounded into compost to be used as fertilizer for house gardens and crops. The bluegill, which thrived due to human activity, is now eliminated as a threat to the Japanese ecosystem and recycled. On the other hand, overfishing, pesticides, and environmental changes caused by rapid modernization led to a decline in their number and, in 1952, the crested ibis (Nipponia nippon) was designated a special natural monument and repeatedly bred artificially. As an endangered species endemic to Japan, the species was once extinct, but its life has been prolonged and is still being carried on by the descendants of “Yuyu” and “YoYo”, Chinese  species gifted to Japan. The foreign species that come and go bluring the borders and the outline of the nation that lies behind them. Unidentified, the two completely different fates are hereafter explored.

© Shiori Watanabe

Solo Exhibition

2022.1.13(Thu)-2.6(Sun)

⿅野 裕介「排水量21g」
「身の回りの出来事」と「身の回りの出来事ではないこと」を繋ぐ作品を制作しており、そのため「±0」「相殺」というようなイメージが自分の思考の近くをさまよっているようだ。

YUSUKE SHIKANO “Displacement 21g”
Shikano creates artworks that connect the “events that happen around us” and the “ones that do not happen around us”. For this reason, images such as “±0” and “neutralization” seem to wander near his thoughts.

© Yusuke Shikano

Group Exhibition

2021.12.18(Sat)-12.26(Sun) 

SYP Gallery  “Overview vol.2”
2021年に個展をおこなった作家と来年2022年に個展を開催する作家の作品を展示いたします。

花代 / 森村 誠 / Cristian Boffelli / 山上 渡 / 久保田 沙耶 / 大野 公士 / 三田村 光土里 / 鹿野 裕介 / 都築崇広 / 荒木由香里 / 須藤 美沙 / 西澤 利高 / 大寺 史紗 / Sabrina Horak

SYP Gallery  “Overview vol.2”
We will be showing artworks from the artists featured in 2021, as well as the artists scheduled for 2022.

Hanayo / Makoto Morimura / Cristian Boffelli / Wataru Yamakami / Saya Kubota / Koji Ohno / Midori Mitamura / Yusuke Shikano / Takahiro Tsuzuki / Yukari Araki / Misa Sudo / Toshitaka Nishizawa / Misa Otera / Sabrina Horak

Solo Exhibition

2021.11.18(Thu)-12.12(Sun) 

三田村 光土里 「365 Encyclopedia」
「こうして毎日、百科事典に向かい、脈絡なくページを横断する項目を追い ながら、点から 点へ、視点と思考が抽象的な時空間を旅する。日々、何を生み出せる のかわからない。“わからない”ことを、旅で初めて訪れる場所のように楽しんでいる。 満足に仕上がらない日も、それがその日の一枚だと受け入れる」

MIDORI MITAMURA “365 Encyclopedia”
“Every day, I turn to the encyclopedia and follow the entries that cross the pages without context, and from point to point, my perspective and thoughts travel through abstract time and space. Every day, I don’t know what I can create. I enjoy “not knowing” as if it were the first place I visit on a journey. Even on days when I am not satisfied with my work, I accept that it is the picture of that day.”

365 Encyclopedia
7.10.2021
ドガ、トカゲ、土器、土偶
Degas, Lizard, Earthware, Earthen figure
© Midori Mitamura

Solo Exhibition

2021.10.7(Thu)-10.31(Sun) 

大野 公士「質量と祈りについての考察」
質量とは物質を構成する本質的な量であり、その物質により構成される人体。
物質により構成される人体によって生命を維持することが人間の実存とするならば、精神とは脳機能により特定できるのだろうか?
祈りとは、物理法則によらない超自然の存在とのコミニュケーションであり、宗教的な霊性との関係が大きい。
人間の歴史の中で、選択されてしまう生命と向き合うために、質量と祈りについて考察して表現する。

KOJI OHNO “Reflections os Mass and Prayer”
Mass is the essential quantity that makes up matter, and the human body is made up of that matter.
If life is sustained by the human body, which is made up of matter, then can the spirit be identified with brain function?
Prayer is a communication with a supernatural being that is not governed by physical laws and has a great deal to do with religious spirituality.
We will discuss and express mass and prayer in order to confront the life that is selected in the history of man.

祈りについての考察
Reflections on Prayer
2021, 楠・LED照明 190×15×15cm
© Koji Ohno

Solo Exhibition

2021.8.26(Thu)-9.19(Sun) 

久保田 沙耶「肌をよむ」
わたしはしるしをつけるように作品を作りはじめることにした。日常生活のなかの手触りひとつひとつと、それに反応する五感、そんな言葉や考えにとどく前の感覚を「わたしの歴史」として見つめてみたい。わたしたち人間は視覚優位の猿から受け継いだ能力もあって、さまざまな考えを目に見える形で実体化してきた。けれども、鳥と私の関係をきっかけに自然界のありとあらゆる動植物に意識を傾けてみたとき、これまで彼らもずっと生存と共存を続けており、目に見えない倫理や宗教の萌芽があるにちがいないと気がつく。そして遠いむかしの恐竜もまた同じ心映えだったのではないかと思いを馳せる。

SAYA KUBOTA “Reading Texture”
I decided to start making artworks as if to make a sign. I would like to look at each texture in our daily lives and the five senses that respond to them as “my history”, the senses before they reach words and thoughts.
As humans, we have inherited the ability from the visually dominant apes to materialize various ideas in a form that can be seen. However, when I became aware of all the plants and animals in the natural world, as a result of the relationship between the bird and me, I realized that they have been surviving and coexisting for a long time, and that there must have been the germ of invisible ethics or religion. I wonder if the dinosaurs of the distant past had the same impression.

© Saya Kubota

Solo Exhibition

2021.7.1(Thu)-7.25(Sun) 

山上 渡「World of the world – Under constellation 2021」
「絵画とは小さな嘘をいくつも重ねて大きな真実を作ることである。」
19 世紀末パリで活動したナビ派のピエール・ボナールの言葉である。 これはアート作品を作ることもまた虚構の構築であることを端的に示唆する。

WATARU YAMAKAMI ”World of the world – Under constellation 2021
“Painting is the art of making a big truth out of a series of small lies.”
These are the words of Pierre Bonnard, a member of the Nabis School who was active in Paris at the end of the 19th century. This clearly suggests that the creation of art is also the construction of a fiction.
 

セカイノセカイ スクリーン
World of the world: Screen
2020,Oil on canvas 194cm×130.3cm
© Wataru Yamakami

Solo Exhibition

2021.5.20(Thu)-6.13(Sun) 

CRISTIAN BOFFELLIAPPUNTI -備忘録-
ボッフェッリが一貫して追究しているテーマは、動物や人間、いわば生き物の「形」である。うごめき変わり続けるそれらの「形」は、ねじ曲げられ、ほとんど見分けがつかなくなり、その結果、ふしぎと馴染み深い見かけを取り戻す。彼は、キャンバス、段ボール、金属、木、紙など、様々な素材の上に版画やドローイングを使用し探究してきたが、真の不変の仕事は、一本の黒い線である。ニュートラルな空間に力強く、ぶれない線を描きその全貌を完成させるのが彼のスタイルだ。

CRISTIAN BOFFELLI APPUNTI -備忘録-
The main themes Boffelli constantly pursue are the “figures” of animals and human beings, or so to say, the very form of living creatures. These “figures” continue to change shape, twist and become almost indistinguishable, and finally result in regaining a mysteriously familiar appearance. He has explored and used printmaking and drawing on various materials such as canvas, cardboard, metal, wood and paper but his true constant work is a black line.  He uses a single determined line to build a closed shape inside a neutral space. 

©Cristian Boffelli

Solo Exhibition

2021.4.8(Thu)-5.14(Fri)

森村 誠「the Language Study Methods for the Beginners」
言葉の重みを量ることは、語学初心者用の辞書でも、または学術的な辞書であっても、どんな辞書を使っても変わらず難しいことなのです。

MAKOTO MORIMURA “the Language Study Methods for the Beginners
It is always difficult to weigh the weight of a word, no matter what kind of dictionary you use, whether it is a beginner’s dictionary or an academic dictionary.

Collins pocket Italian Dictionary (English 16064g, Italian 11969g)
2021©Makoto Morimura

Short Exhibition

2021.3.25(Thu)-3.31(Sun)

戸野倉 あゆみ「つちたま」
アーティスト・イン・レジデンスに参加した際に、その滞在先で見つけた溶岩や土を粉末状にし、絵具として使用してきました。さらさらの粉末はそれぞれ美しい色合いをしています。 1年前の春、最初の緊急事態宣言が発令された期間に、今まで集めた溶岩や土で小さな玉を作り、磨いて過ごしました。磨くことで艶やかな色合いを帯びてきます。 それぞれの土地を凝縮したこの小さな玉を展示し、それぞれの土地を提示してみようと思います。

AYUMI TONOKURA ”Earthen Ball”

©Ayumi Tonokura

Solo Exhibition

2021.2.25(Thu)-3.21(Sun)

花代 「雲峰のたぬき婆さん」
ペストやスペイン風邪など歴史上の出来事と思っていたパンデミックが私たちのリアリティになったしまった今、雲峯が体験した超現象を手がかりに、その坂の名前がつけられた頃と今との繋がりを考えることが、不自由な昨今をどうやって生きていくのかのヒントになるような感じがしている。

HANAYO “Unpō’s Raccoon Lady” 
Pandemics as the Black plague or the Spanish flu used to be seen as something of the past, however it has become a reality for us. Thinking about the phenomenon that Unpō had to deal with, or about the connection between the time those streets were named and now, it could offer us a hint on how to face our present circumstances.

©Hanayo

Group Exhibition

2020.12.19(Sat)-12.27(Sun)

SYP Gallery  “Overview”
2020年に個展をおこなった作家と来年2021年に個展を開催する作家の作品を展示いたします。

– Overview – 参加作家 
吉野祥太郎 / 都築崇広 / 内藤忠行 / 大寺史紗 / 西澤利高 / ARMELL KERGALL / 花代 / 森村誠 / CRISTIAN BOFFELLI / 久保田沙耶 / 山上渡 / 大野公士 / 三田村光土里 / 鹿野裕介

SYP Gallery “Overview”
We will be showing artworks from  artist featured in 2020, as well as  the artists såcheduled for 2021.


– Overview –  Participant Artist
Shotaro Yoshino / Takahiro Tsuzuki / Tadayuki Naitoh / Misa Otera / Toshitaka Nishizawa / Armelle Kergall / Hanayo / Makoto Morimura / Cristian Boffelli / Saya Kubota / Wataru Yamakami / Koji Ohno / Midori Mitamura / Yusuke Shikano

Solo Exhibition

2020.11.19(Thu)-12.13(Sun)

ARMELLE KERGALL “Selfies 1920-2020”
Armelle Kergallは1978年生まれのフランス人写真家で、現在は東京を拠点に活動しています。彼女の作品は、家族の忠誠心、集合的な記憶、そして家族の内部構造を取り巻く隔世遺伝的な行動の概念を中心に展開しています。

ARMELLE KERGALL “Selfies 1920-2020”
Armelle Kergall, born in 1978, is a French photographer currently based in Tokyo. Her work revolves around the concepts of family loyalty, collective memory and the atavistic behavior surrounding the internal family’s structure.

©Armelle Kergall

Short Exhibition

2020.11.19(Thu)-12.13(Sun)

橋本玲美・荻原貴裕「ニッポン観光名所図会」
橋本と荻原は、夫婦として改めて共同で制作し、夫婦の関係性を描いていく中で、社会的な状況や歴史的な背景などを、「生活の一部」として同列に扱うことで、個人のレベルとパブリックな問題の差異に焦点を当てます。

REMI HASHIMOTO & TAKAHIRO OGIHARA  “Illustrated travelling guide through Japan”

©Remi Ogihara Takahiro

Solo Exhibition

2020.10.8(Thu)-11.1(Sun)

西澤 利高「colorless  – 無色-」 
人間は一本の管(くだ)である。別に取り立てて言うほどのことでもないが、私はずっと腸としての管構造をテーマに彫刻を制作している。

TOSHITAKA NISHIZAWA  “Colorless”
Human beings are tubes. I am not particular about this, but I have been making sculptures on the theme of spirals as tubes.

©Toshikawa Nishizawa

Event

2020.10.3(Sat)-10.4(Sun)

AGUSTIN SPINETTO & RONI SHVART 「いた場所」
2020年9月に東京で開催された「You Are Here // 現在地」プロジェクト。東京のさまざまな人々が、ここにいた時間、ここにたどり着くまでの距離、そして東京への帰属意識に応じて作成した、イメージとサウンドを組み合わせたマップです。

Roni Shvartsはイスラエル出身のグラフィックデザイナーです。 Agustin Spinettoはアルゼンチン出身のミュージシャンです。 彼らの家族は両方とも同じ年に母国に移住し、戦後のヨーロッパを脱出した。 70年後、AgusとRoniはわずかに1日違いで日本に移住しました。 移民の家族を持ち、移民のコミュニティでできている国々から来て、彼らは人々の動きや彼らがいる場所への帰属意識を探求することに興味を持っています

AGUSTIN SPINETTO & RONI SHVART “You Were There”
The “You Are Here” project took place in Tokyo in September 2020. It is a map, combining image and sound, which was formed by different people in Tokyo, according to how long they have been here, how far they have traveled to get here and their sense of belonging to Tokyo.

Roni Shvarts is a graphic designer from Israel. Agustin Spinetto is a musician from Argentina. Both of their families immigrated to their home countries in the same year, escaping post-war Europe. 70 years later, Agus and Roni immigrated to Japan, only one day apart. Coming from families of immigrants, and from countries that are made of immigrant communities, they are interested in exploring the movement of people and their sense of belonging to the place they are at.

Solo Exhibition

2020.8.27(Thu)-9.20(Sun)

大寺 史紗「羽化」  
私たちはきっと永遠に未完成のまま死んでいく
纏った服も、靴も、化粧も、全て剥いでしまえば「人間」に憧れた弱々しい私がそこにいる
蛹になれない君の柔らかく薄い肌も傷を残していつか枯れていくだろう
ただその移ろいが何より愛しく、美しいと思う
 

MISA OTERA  “Metamorphosis” 
We are certainly going to die as our uncompleted-selves
The clothes we wear, the shoes, the makeup; if we remove all, the longed frail human that I am appears
You, that won’t become a chrysalis, with your soft and thin skin, with all its marks, you will surely also die
However, all these vicissitudes are pure above all. Beautiful

©Misa Otera

Solo Exhibition

2020.7.30(Thu)-8.16(Sun)

内藤 忠行「W3」 
「トーンというのは音楽的には音色のようなものだけど写真にも当てはめられる。 音楽における五線譜に示されたものと写真における適正露出は共通している。 音楽家も写真家もそれに従う人もいれば、それを基本として発展させる人もいる。」

TADAYUKI NAITOH  “W3” 
“Tone is a musical concept that can be also applied to photography. I think that the elements used in the music notation are equivalent to the proper use of exposure in photography. While some musicians and photographers would apply it, others would develop it further.”

©Tadayuki Naitoh

Solo Exhibition

2020.7.2(Thu)-19(Sun)

都築 崇広「合板都市」 
建材として使われる合板。都市を形作る工業製品である合板の構造に都市の風景を重ねて見る。
どこも同じように見える街の景色、似てるけど少し違う街の景色。
工業製品として、効率的で強度が保証された合板。木目に現れる自然の断片は、製造工程を経て加工された、都合のいい自然の姿かもしれない。それはどこかで作られた合理的で大量生産型の形。

TAKAHIRO TSUZUKI  “Plywood City”
This is an attempt to reflect on the suburban Japanese city landscape through plywood boards.
City-scapes look similar everywhere around Japan and yet slightly different, just like repetition of the wood grain  patterns on a board.
Are we really seeing natural wood patterns on plywoods? Those patterns are a direct consequence of the industrial process developed for mass-production.

©Takahiro Tsuzuki

Solo Exhibition

2020.6.4(Thu)-21(Sun)

吉野 祥太郎 「埃のように」 
生き物がある時期に死を迎えるのと同様に、モノにも色々な要因で役割を終える時期が来る。それらのモノにはそれを使用してきた人や存在していた空間の記憶が 染み込んでいるのではないだろうか。私は古いものに出会った時にそのモノが持つ得体の知れない気配のようなものを感じることがある。ならばその気配に注視して引き出してやろうじゃないか。消費社会のゴミになってしまったこれらのモノが秘めている何か大事なメッセージを聞き取ってみたい。目に見えないが、感じることを表現できるのは芸術の仕業であろう。

SHOTARO YOSHINO  “Like Dust”
Just as all creatures eventually die, objects come to their end invarious fashions. Do memories of the persons who used them, or the places they were in, permeate things? I sometimes perceive enigmatic signs when confronted with old objects. Then I want to focus on these signs to pull them out. I want to try to grasp the precious messages hidden away in the trash of consumer society. For it is the power of Art to express what we can feel yet cannot see.

©Shotaro Yoshino